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Dans le but de rechercher chaque mois les meilleures expositions en galerie à travers les États-Unis, Galerie a voyagé vers l’ouest de New York à Chicago et Los Angeles pour trouver les meilleures expositions personnelles pour octobre. Des peintures et sculptures de Beatriz Milhazes qui mélangent haute et basse culture à Pace et céramiques expérimentales de Masaomi Yasunaga à la Lisson Gallery, toutes deux à Manhattan, aux sculptures colorées d’Aaron Curry sur les maîtres modernistes à la David Kordansky Gallery de Los Angeles, ce sont les expositions à ne pas manquer ce mois-ci.

Beatriz Milhazes, Cirandinha, (2022). Photo : Avec l’aimable autorisation de Pace Gallery

Travaillant à travers une variété de styles esthétiques, l’artiste brésilienne Beatriz Milhazes mélange la haute et la basse culture – beaux-arts et traditions d’artisanat populaire – dans ses peintures colorées ressemblant à des collages, ses œuvres sur papier et ses installations. Mieux connue pour ses puissantes abstractions à grande échelle, qu’elle expose depuis les années 1980, l’artiste basée à Rio de Janeiro est revenue à l’utilisation d’éléments figuratifs dans son travail en 2017. En conséquence, des références à la nature telles que les fleurs, les arbres, l’eau, les étoiles et les soleils sont aussi évidentes que les motifs, les rayures et les formes géométriques dans les peintures récentes exposées lors de sa première exposition à Pace depuis son arrivée à la galerie en 2020. L’exposition marque également la première exposition personnelle de Milhazes à New York en près d’une décennie.

S’inspirant des mouvements créatifs brésiliens identifiés comme Antropofagia (la cannibalisation d’autres cultures) et Tropicália (un amalgame de traditions brésiliennes et de styles étrangers), l’artiste capture les couleurs et les formes du ciel bleu, des plages ensoleillées, des jardins luxuriants et de l’architecture baroque de Rio à travers dix toiles vivantes dans la galerie du deuxième étage de Pace, tout en canalisant l’esprit de la légendaire célébration du carnaval de sa ville natale avec une sculpture florale sensationnelle suspendue du haut plafond de l’espace du septième étage de la galerie.

Jusqu’au 29 octobre

Masaomi Yasunaga, Vases fusionnés, (2021). Photo : Avec l’aimable autorisation de la galerie Lisson

Pour ses débuts à New York, l’artiste céramiste japonais d’avant-garde Masaomi Yasunaga présente une forme de sculpture en céramique rarement vue dans la ville, ou dans de nombreux endroits en dehors du Japon. Se rebellant contre les techniques traditionnelles de poterie du Japon, il utilise la glaçure plutôt que l’argile comme matériau de construction principal. Bobine construite sur un volant, la glaçure est combinée avec des matières premières telles que des roches, des minéraux formant des roches, du métal et des poudres de verre, puis enterrée dans des couches de sable ou de kaolin (une argile blanche tendre) pour la cuisson au four. Une fois retirées du four, ses formes sculpturales primordiales sont excavées de leurs lits comme des découvertes archéologiques.

Exposant plus de 50 récipients expérimentaux exposés sur une longue fondation de gravier sur toute la longueur de la galerie, Yasunaga – qui a déjà mélangé les cendres de sa grand-mère avec de la glaçure pour faire un arrangement d’urnes en porcelaine blanche afin de cristalliser ses pensées et ses souvenirs d’elle – crée la beauté dans sa forme la plus pure et la plus primitive.

Jusqu’au 15 octobre

Omar Ba, Droit du sol – droit de rêver #1, (2022). Photo : Avec l’aimable autorisation de Templon

Étoile montante de la scène artistique africaine contemporaine en plein essor, Omar Ba partage son temps depuis plusieurs années entre Dakar, Genève, Paris, New York et Bruxelles, où il possède actuellement un studio. Dans sa pratique émergente, Ba développe un point de vue cosmopolite sur l’Afrique et la communauté noire qui est filtré à travers sa perspective hautement sophistiquée. Fraîchement sorti d’une exposition d’enquête aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique et destiné à une exposition personnelle au Baltimore Museum of Art en novembre, l’artiste a lancé l’avant-poste new-yorkais de la vénérable galerie Templon avec une suite de peintures puissantes qui visent à réécrire l’histoire africaine et à réparer les injustices.

Commençant ses peintures – qui sont rendues sur toile et carton – en noircissant le sol, l’artiste développe ses figures à la surface de l’obscurité, avec un pinceau affirmé et une imagerie obsédante. Mêlant le personnel au politique, il travaille à partir de photographies de famille et d’amis tout en commentant l’oppression coloniale, les questions d’immigration et les thèmes du chaos, de la destruction et de la dictature. Inspiré par la philosophie panafricaine et le mouvement Black Lives Matter, Ba fusionne le folklore africain traditionnel avec le symbolisme mondial pour évoquer un espace d’optimisme attrayant pour ceux qui sont prêts à rêver.

Jusqu’au 29 octobre

Sheree Hovsepian, mannequin, (2022). Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Rachel Uffner

Brouillant la frontière entre abstraction et figuration, Sheree Hovsepian mélange la photographie figurative avec des éléments trouvés et construits dans une variété de matériaux pour concevoir une imagerie contemporaine avec une touche moderniste. Photographiant des détails de son corps nu, des fleurs cultivées et des objets pratiques dans son studio (comme une boule de ficelle ou un rouleau de ruban adhésif), l’artiste née en Iran et éduquée aux États-Unis assemble les pièces en photomontages en boîte avec des morceaux de bois coupé, des ficelles clouées et des céramiques façonnées sur un fond de velours noir pour construire des images poétiques mûres de sensualité mais tout aussi stimulantes.

L’une des artistes les plus remarquables de l’exposition engageante « The Milk of Dreams » de Cecilia Alemani à la 59e Biennale de Venise, Hovsepian a élargi sa pratique à de nouvelles façons de travailler dans sa première exposition personnelle avec la galerie Rachel Uffner. Réalisant des dessins en noir et blanc avec l’encre utilisée pour développer numériquement des tirages photographiques et construisant des sculptures en céramique construites à la main qui sont émaillées dans une palette similaire à ses photomontages encadrés en noir, blanc et brun, elle fournit des points de repos harmonieux entre ses pièces visuellement plus complexes tout en ouvrant la porte à de nouvelles possibilités pour son style unique d’art performatif.

Jusqu’au 5 novembre

Sara Anstis, La Chasse, (2022). Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de Kasmin

Explorant la mythologie pour une interprétation plus féminine, Sara Anstis réalise des peintures à l’huile figuratives oniriques et des pastels doux obsédants sur papier de jeunes femmes nues communiant avec la nature. Née à Stockholm et élevée sur une petite île du Canada, l’artiste basée à Londres construit des scénarios surréalistes avec des paysages arides et des créatures ludiques que ses femmes fatales peuvent traverser. Exposant à l’international depuis 2019, après près d’une décennie d’études, Anstis fait ses débuts à New York avec des peintures et des œuvres sur papier si fortes et psychologiques que nous prévoyons de voir plus de ses œuvres fascinantes pour les années à venir.

Jusqu’au 29 octobre

Robert Burnier, Silenta kiel Stelistoj en la Nokto, (2022). Photo : Avec l’aimable autorisation de l’art et Andrew Rafacz

Présentant simultanément une exposition personnelle en Afrique du Sud et de nouvelles œuvres avec deux galeries à la Frieze London la semaine prochaine, le sculpteur de Chicago Robert Burnier est clairement sur une lancée. Construisant des abstractions murales fantaisistes à partir de feuilles de métal brutes, peintes à la bombe avec la palette d’artefacts africains, méditerranéens et mésopotamiens, Burnier a longtemps été fasciné par la nature sublime de la couleur et de la forme. À l’aide de pinces, de planches de bois et de puissance musculaire pure pour façonner les œuvres d’art minimalistes de son exposition personnelle à Andrew Rafacz, l’artiste énergique a plié, enveloppé et retourné le métal durable à l’envers pour créer des formes comprimées qui, dans sa somme précise, « conservent l’histoire de leur propre devenir », ce qui est une méthode de développement très humaine.

Jusqu’au 29 octobre

Patrick Martinez, Paysage de stationnement, (2022). Photo : Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la galerie Charlie James

Considérant sa vie et sa ville natale en tant que nouveau père, l’artiste Patrick Martinez, basé à Los Angeles, a conçu un corpus d’œuvres engageant qui se tourne vers l’avenir en contemplant comment sa famille pourrait s’intégrer dans le paysage urbain changeant tout en jetant un coup d’œil à sa propre éducation à Pasadena et dans la vallée de San Gabriel. Réalisant des peintures et des sculptures qui reflètent les peintures murales, la signalisation et les murs texturés du quartier hispanique de l’est de Los Angeles, Martinez recrée les visuels vibrants des publicités des boutiques familiales et des restaurants latinos et des murs décolorés des écoles et des centres communautaires.

Appliquant tout, du stuc, des carreaux de céramique décoratifs et des bannières en vinyle aux bandes de néon et d’enseignes LED à la surface de ses peintures, l’artiste imaginatif utilise les éléments exacts et les couleurs animées pour capturer la saveur des sites de décoloration et des aspects vieillissants d’un royaume menacé de gentrification au quotidien. Il est bien connu qu’une fois que les artistes commencent à prêter attention à un quartier, les promoteurs immobiliers vont bientôt suivre. En faisant de l’art à partir de ce qu’il peut voir maintenant, il y aura certainement quelque chose à retenir pour ses enfants, et même les générations futures.

Jusqu’au 22 octobre

Aaron Curry, Blue Thing (Figure assise), (2022). Photo : Lee Thompson; Avec l’aimable autorisation de David Kordansky Gallery

Largement exposé et collectionné, l’artiste Aaron Curry expose avec David Kordansky depuis l’obtention de son MFA de l’Art Center College of Design à Pasadena en 2005. De retour pour sa quatrième exposition personnelle à la galerie, le sculpteur et peintre basé à Los Angeles présente un nouveau groupe de sculptures en aluminium peint qui sont assez grandes pour se tenir sur le sol ou debout à l’extérieur et assez petites pour reposer sur des piédestaux de taille moyenne. Caractérisations caricaturales qui riffent sur des titans du médium tels qu’Alexander Calder, Joan Miró et David Smith, les pièces ludiques emploient la construction industrielle tout en l’imitant avec des rivets bien placés et des signatures découpées.

Commençant par des dessins de carnet de croquis que l’artiste rend ensuite numériquement, les sculptures évoluent en maquettes de papier avant d’être agrandies à l’échelle en tant qu’œuvres d’art fabriquées. Peintes dans des couleurs vives avec des éléments mis en évidence qui font ressortir les pièces, les œuvres comiquement sophistiquées de Curry rendent hommage même si elles se moquent des maîtres modernistes qu’il admire si clairement.

Jusqu’au 22 octobre

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